Jeden Mittwoch stelle ich an dieser Stelle die drei Songs vor, die mich in der vergangenen Wochen am häufigsten begleitet, am meisten beeindruckt und dazu schwer begeistert haben.
Wir starten mit dem Titeltrack „Doom Country“ von Hudson Freeman, der gerade erst (am 6. November 2026) auf dem gleichnamigen Album erschienen ist. Auf dem Albumcover sieht man übrigens seine Frau Sophie Brown auf einer Weide inmitten von Rindern, die laut Freeman als visueller Avatar für das sehr persönliche Album dient. Das Verb steht im Singular, also ist seine Frau gemeint, nicht die Rinder.
Musikalisch fällt sofort die ganz bewusst gewählte, „kaputte“ analoge Ästhetik auf. Freeman nutzt für diese Textur alte Bandmaschinen und AM-Radio-Samplings. Dadurch eiert die Tonhöhe leicht, das Tempo schwankt minimal und es rauscht im Hintergrund. Es klingt so, als würde man in einem alten, durch die verlassene Weite fahrenden Auto sitzen und eine verwitterte, aus der Zeit gefallene Radio-Übertragung aus der Vergangenheit empfangen.
Das Genre trägt den Namen des Songs bereits in sich: „Doom Country“. Freeman und sein Gitarrist haben diesen Begriff ursprünglich als Scherz geprägt, um ihren Sound zu beschreiben. Es ist eine faszinierende Mischung aus twangigem Indie-Rock, klassischer Americana, Folk und staubigem Lo-Fi-Sludge. Der Sound stellt sich ganz bewusst gegen die hochpolierte, oft künstliche (oder gar KI-generierte) Produktion heutiger Popmusik und setzt stattdessen auf eine bewusste, menschliche Unperfektheit.
Der Track erzeugt eine starke Mischung aus Unbehagen und wohliger Nostalgie. Inhaltlich ist „Doom Country“ der Soundtrack für einen apokalyptischen Roadtrip durch ein zerfallendes Amerika. Freeman verarbeitet hier einerseits seine streng evangelikal geprägte Jugend, in der das Ende der Welt und die Apokalypse allgegenwärtig waren. Andererseits überträgt er diese Motive auf das aktuelle Jahrzehnt und den metaphorischen Niedergang der amerikanischen Gesellschaft. Es geht um das Gefühl, nach dem sprichwörtlichen Weltuntergang durch vertraute, aber trostlose Landschaften zu reisen.
Und wir machen weiter mit dem nächsten Freeman, diesmal Greg Freeman und dem Song „Indu„. Musikalisch schlägt der Song in eine ähnliche Kerbe wie der erste: Es ist eine sehr analoge, ungeschliffene und fast schon „schrammelige“ Produktion. Ein treibender Basslauf und stetige Drums bilden das Rückgrat, während die Gitarren immer wieder leicht dissonant und wunderbar unperfekt ausbrechen. Das Ganze bewegt sich im Bereich Lo-Fi-Indie-Rock, Slacker-Rock und Alternative, mit einer Prise Noise-Pop. Der Sound erinnert stark an den ehrlichen, kratzigen College-Rock der 90er-Jahre (man denke an Pavement, Built to Spill oder frühe Modest Mouse). Es ist DIY-Ästhetik in Reinkultur, bei der es nicht um die perfekte Tonhöhe, sondern um Authentizität und Ausdruck geht.
„Indu“ kreist inhaltlich stark um Entfremdung, das Verstreichen von Zeit und eine tiefe innere Isolation. Zeilen wie „your private life consumes“ oder die Frage „have you tried talking to your medicine?“ deuten auf eine Auseinandersetzung mit mentalen Kämpfen und der Leere des Alltags hin. Das immer wiederkehrende, zentrale Mantra „These days come so quick, these nights go so quick“ fängt die beängstigende Rasanz ein, mit der die Zeit an einem vorbeizieht. Auch physische und emotionale Distanz spielt eine Rolle, etwa wenn Freeman singt: „Time zones keep me in a prison“. Das Album „All Set The Bone“ gehört definitiv zu den besten zehn dieses Jahres. Aber nun ja, noch ist es ja nicht vorbei.
Zu guter Letzt heute landen wir bei der Band PISS und ihrem Track „Rote Zora. ‚Resistance is Possible.‘ Emma, no. 6, June 1984, pp. 39-41.“
Musikalisch ein kompromissloser Ausbruch: rasend schnelle, sägende Gitarren, ein prügelndes Schlagzeug und Vocals, die nicht klassisch gesungen, sondern als dringlicher, wütender Spoken-Word-Text ins Mikrofon geschrien werden. Hardcore Punk, Crust Punk und Noise Punk, durchzogen von einer massiven Riot-Grrrl-Attitüde. Kratzig, ungeschliffen, aggressiv und völlig anti-kommerziell. Ein roher Underground-Sound, der gezielt anecken und aufwecken will.
Der unfassbar lange Titel liefert bereits die Quellenangabe für den Text: Es ist ein direkter Bezug auf die „Rote Zora“, eine militante feministische Untergrundorganisation, die in den 70er- und 80er-Jahren in Westdeutschland aktiv war, sowie ein Zitat aus der Zeitschrift Emma von 1984. Inhaltlich ist der Track ein radikaler Diskurs über patriarchale Gewalt und weibliche Gegenwehr. Der Text argumentiert, dass Frauen von der Gesellschaft dazu erzogen werden, sich als friedfertige Opfer zu sehen. Dem stellt der Song entgegen, dass Widerstand notwendig ist, um ein Klima zu schaffen, in dem sich Frauen ermächtigt fühlen und die alltägliche Gewalt nicht länger als Normalität hingenommen wird.
Der Track ist pure, kanalisierte Wut. Er wirkt im ersten Moment extrem konfrontativ, ungemütlich und einschüchternd. Lässt man sich aber auf diese Energie ein, schlägt das Gefühl in ein absolutes Empowerment und kämpferische Entschlossenheit um. Er weckt den Drang, aufzustehen und sich gegen Ungerechtigkeiten zur Wehr zu setzen. Es ist ein musikalischer Adrenalinschub, der gleichzeitig ein starkes Gefühl von Solidarität und Rebellion hinterlässt. Anstrengend? Ja, aber enorm wichtig.
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